Por Oswaldo Osorio

Hacer una buena película sobre lo ordinario de la vida solo es posible cuando detrás de ello está el talento y lucidez de un director como Mike Leigh. Principalmente desde ‘Naked’ (1994) y ‘Secretos y mentiras’ (1995), este autor inglés nos ha mostrado su capacidad para hablarnos de la complejidad de la vida cotidiana y los personajes corrientes. Sus dos principales herramientas son lo que logra con sus magníficos actores y el realismo en la puesta en escena.

Esta película también está construida a partir de estos elementos. Se trata de la historia de una pareja que vive una existencia simple y armónica, pero también es la historia de las personas que los rodean, entre familiares y amigos, para quienes la vida cotidiana está ambientada con un sonido de fondo de tristeza e insatisfacción. No tienen grandes problemas (como los que siempre buscan los guionistas para introducir un conflicto fuerte), aunque si se sabe mirar, como lo hace Leigh, la soledad ya es bastante, o la edad, o simplemente que no pase nada extraordinario en sus vidas.

De manera que el relato presenta un doble registro, por un lado, la felicidad de la pareja protagónica, y por otro, la infelicidad de los demás. Y es que Mike Leigh no tiene una opinión muy optimista de la vida, la cual considera que está poblada por gente triste e insatisfecha, sobre todo las personas mayores. Así lo ha recalcado en las dos películas ya citadas o en otras como ‘Chicas de carrera’ (1997), ‘Todo o nada’ (2002) y ‘Vera Drake’ (2004). Aunque también es cierto que su anterior filme, ‘Happy-go-lucky’ (2008), es una de las películas más optimistas que jamás se hayan hecho en el cine.

Pero la variable en esta cinta es esa pareja feliz, que es la que en cierta forma ayuda a los demás a sobrellevar sus amargadas existencias. El contraste se hace tan evidente que todo parece conducir a una conclusión muy simple, algo que se ha repetido desde Jesucristo hasta The Beatles: la clave de la felicidad es el amor. Y eso se puede constatar cuando el hijo de la pareja pasa del bando de los insatisfechos al de los felices, justamente, en el momento en que consigue novia.

Pero en realidad, lo que menos importa de esta película es la moraleja, y menos una que es tan obvia como profunda, lo que importa es el detalle, el realismo y la sensibilidad con que el director nos revela ese universo cotidiano y sus pequeños y grandes dramas, así como los sentimientos llenos de matices que vemos en sus personajes. Todo esto logrado solo a partir del devenir de la vida, de las cosas simples y de una búsqueda del sentido de la felicidad. Un devenir que se repite año tras año, para bien o para mal.

Por Oswaldo Osorio

Claude Lelouch realiza películas desde hace medio siglo, pero muchos lo han desdeñado luego del enorme éxito que tuvo con ‘Un hombre y una mujer’ (1966), un melodrama romántico ganador de Cannes y el Oscar a la mejor cinta extranjera. Y es cierto que este director es proclive a los cuentos ligeros y a las historias de amor, así como al cine popular y de gran presupuesto, pero al tiempo puede hacer un cine más personal, modesto y profundo.

Esta película es un ejemplo de esa versatilidad, porque puede ser vista como un inquietante relato de misterio (a la manera francesa, por supuesto, es decir, con sutileza y sin los efectismos de Hollywood para este tipo de historias) y, al mismo tiempo, como un juego intelectual con el concepto de ficción, así como una reflexión sobre la búsqueda de la identidad y del amor.

Parecen muchas cosas y muy disímiles para estar juntas, pero esa es la principal virtud de esta cinta, que esos tres grandes aspectos no sólo se identifican con claridad sino que tienen unidad, esto es, que una misma escena puede representar el misterio, la reflexión y el juego con la ficción, porque aquí lo uno siempre tiene que ver con lo otro.

Así, por ejemplo, la famosa escritora, quien a su vez tiene un escritor fantasma (aquel que escribe por ella), quien a su vez parece estar protagonizando la trama de la novela que está escribiendo, representan una multiplicidad de posibilidades en la relación entre realidad y ficción, o lo que es lo mismo, en la ficción dentro de la ficción.

Parece confuso enunciándolo, pero en la película funciona perfectamente para crear la intriga y, sobre todo, para esa ambigua construcción de los personajes, que es el recurso más importante de la trama, pues casi todo el sentido de la historia está en el juicio que el espectador hace de un personaje por lo que la película le hizo creer que es.

Pero en el fondo de esta intriga y juego con la ficción, está siempre la reflexión sobre asuntos fundamentales, como el amor, la identidad y lo que cada quien puede hacer con su vida. Algunos de esos personajes no quieren estar en el lugar donde están, a causa de lo que son y lo que quisieran ser, o del hastío con su propia identidad, o simplemente por el deseo de buscar el amor, que siempre es tan esquivo.

Este filme puede ser, entonces, la expectativa por saber quién es el asesino, o también el divertimento de ver una historia dentro de otra, o mejor, la historia de un fantasma que conoció a una mujer y quiso volver a la vida.

Este programa que otorga subvenciones de producción dos veces al año, invita a todos los cineastas interesados, cuya obra muestre la excelencia artística, auténtica representación de sí mismo y la narración realizada.

A través de este programa, se apoya en la finalización de la producción cinematográfica, en el subsidio de los costos de post-producción, como de laboratorio y las tasas de mezcla de sonido y acceso a sistemas de edición moderna.
El plazo para participar cierra el próximo 15 de julio, y todas las bases para participar las puede encontrar en www.globalfilm.org; o por medio del correo gfi-info@globalfilm.org.

De esta manera, y por segundo año consecutivo, la organización del festival renovó su alianza con uno de los pocos espacios en Bogotá, que cada semana, los martes y los jueves, se dedica exclusivamente a la exhibición de los mejores cortometrajes nacionales e internacionales, In Vitro Visual e In Vitro Visual Internacional.

En esta ocasión la programación está compuesta de las mejores historias de Short Matters, la selección de los trabajos nominados a la versión 23 de los Premios de Cine Europeo otorgados por la Academia Europea de Cine; el Tour de Europa en cortometrajes Eurochannel y una selección de los mejores trabajos del Festival Internacional de Animación Online Animacam. Además, todos estos trabajos se volverán a repetir en las salas programadas en el Festival Internacional In Vitro Visual –FIIVV’11-, que se llevará a cabo del 06 al 10 de diciembre.

Para mayor información de los cortometrajes y su programación se puede consultar la página en internet www.festivaleurocine.com y/o hacerse miembro del grupo en Facebook de In Vitro Visual.

Incluso la muerte de Isaac de la misma manera que lo hizo Sara, no despierta ninguna emoción y deja la simple premisa tantas veces vista de que la protagonista puede estar enloqueciéndose, pero debe demostrarle a las autoridades y a quienes la rodean, que la intuición de ella no puede estar equivocada con respecto al conocimiento emocional de sus dos seres más queridos.

Hasta ahí la película no ofrece nada nuevo y en propuesta lo único que inquieta levemente es la teoría de que existe un grupo de gente que se vuelve invisible para los demás, porque su baja autoestima los va convirtiendo en etéreos. Parecía simplemente una película española tratando de hacer terror como las flojas películas norteamericanas de estudio.

Pero afortunadamente toda la narración cambia cuando se revela el modus operandi del asesino después de la operación de los ojos de Julia, porque ella al igual que su hermana gemela Sara, tiene una enfermedad degenerativa que la va dejando ciega poco a poco. Desde este punto la película incluso parece otra distinta a la planteada inicialmente.

El tercer acto se toma bastante tiempo en toda su conclusión porque el estar Julia ciega temporalmente, el microcosmos de Iván (Pablo Derquí), el hombre que se siente invisible, se devela en una secuencia tensionante de convivencia entre el asesino disfrazado con piel de oveja y su nueva víctima, quien también es la más hermosa que ha tenido hasta el momento. Por eso fue llamada Belén Rueda para los papeles de bella adulta atormentada como lo hizo anteriormente en El orfanato. El papel le talla bien.

La desequilibrada relación iniciada en el encierro de Julia e Iván, va en un crescendo dramático con pulso firme en su manejo del tiempo. Antes de la revelación de la identidad, el encuadre de la cámara no había mostrado con anterioridad la cara de Iván, ni siquiera al espectador, así que su tranquila y aparente dulce voz que propone momentos de anti clímax, posteriormente irrumpe con una gran fuerza cuando es revelado el rostro de este personaje y empieza el carrusel enfermizo de persecución del aparente invisible contra la aparente ciega.

Desafortunadamente en su mejor momento hay un enlace del guión que por querer hilar todos los personajes con las acciones, arruina la persecución, al correr la cortina de quien es la madre abandonada por Iván. Por otro lado, el epílogo de la obra tiene una carga poética conmovedora pero incompleta, ya que debido a la endeble construcción de la relación entre Isaac y Julia no logra entrar con la toda la emotividad que podía hacer un mejor cierre.
Podría ser que los guionistas de ‘Los ojos de Julia’, el mismo Guillém Morales y Oriol Paulo, no hayan tenido ningún interés político en su temática de la dependencia, pero una lectura un poco más retorcida podría arriesgarse a decir que esta película es una alegoría acerca del manejo político de gobernantes que enceguecen a sus pueblos, para luego en su momento más oscuro ofrecerles la mano para ayudarlos. Su verdadero objetivo es aprovecharse de ellos y mentirles acerca del mundo que existe alrededor, porque como no pueden verlo solo se pueden conformar con lo contado por una voz manipuladora.

De esta manera actuaba Iván con sus víctimas. Podría ser esta una lectura más. Pero para teorías retorcidas del enceguecimiento, siempre se podrá tener al escritor argentino Ernesto Sábato con su informe sobre ciegos.

‘Porforio’, es la primera película colombiana rodada completamente en CinemaScope, con el fin de transmitir el complejo universo horizontal del protagonista. Está basada en un hecho real ocurrido el 12 de septiembre del 2005 en Florencia, Caquetá, donde un hombre en silla de ruedas con dos granadas ocultas en su pañal, acompañado de su hijo adolescente, secuestró un avión para llamar la atención del Presidente de la República.

Este filme, según sus responsables, logra transmitir sin intermediaciones efectistas, el drama y la claustrofobia que vive un hombre esperanzado en un sistema del cual hay muy poco que esperar. Porfirio nombre masculino del personaje que protagoniza la película, nombre del actor que se interpreta a sí mismo; el mismo ser humano que sin encontrar muchas salidas decidió en un acto de lucha por su propia dignidad secuestrar un avión, simplemente para buscar que sus derechos fueran respetados.

Actualmente, la cinta se encuentra en un laboratorio en Alemania, terminando su corte final, mientras se adelanta la mezcla de sonido en París. Por su parte, en su etapa de guión, ‘Porfirio’ logró un recorrido desde la Residencia de la Cinefondation de Cannes, en París, Francia; hasta la participación en el Screenwriter’s y Director’s Lab del Sundance Institute en Utah, Estados Unidos.

La película, que fue filmada en el 2010, en su etapa de posproducción recibió del Ministerio de Asuntos Exteriores y del Centro Nacional de Cinematografía –CNC- de Francia el premio Fond Sund Cinema y el apoyo del Instituto Nacional de Artes Audiovisuales de Argentina -INCAA-.

Por Oswaldo Osorio

Pero esa unidad y coherencia, más que del guionista y novel director George Nolfi, proviene de un cuento del célebre escritor estadounidense Philip K. Dick, un autor que supo crear unos magníficos relatos de ciencia ficción (Blade Runner, Minority report, Una mirada en la oscuridad), que además de ser imaginativos y envolventes, también están siempre provistos de un trasfondo de reflexión sobre la sociedad y la naturaleza humana.

La premisa de la que parte esta cinta dice que existe un Plan Maestro al que los hombres obedecen, quiéranlo o no. Entonces la cuestión fundamental de que haya un destino es que su existencia contradice el derecho del libre albedrío. ¿Porque si todo ya está escrito, entonces para qué decidimos? Y, como se sabe, las decisiones que tomamos es lo que nos define por encima de cualquier cosa. En esta película, entonces, se enfrentan esas dos fuerzas, el Plan Maestro y el libre albedrío. El tamaño de lo que representan (y lo que está en juego) pone en evidencia la fuerza del conflicto en esta cinta.

David y Elise no están destinados a enamorarse, pero el azar, esa némesis del destino, los une un par de veces y el Plan se empieza a contrariar. De manera que la trama plantea la tensión entre el destino que los rige y las decisiones que quieren tomar. El problema es que las decisiones no siempre son fáciles, porque no todo está en blanco y negro, generalmente hay matices y variantes.

Pero si bien toda cuestión se podría solucionar haciendo un inventario de ventajas y perjuicios, y por lógica tiende a imponerse lo razonable y lo correcto, también es cierto que esta lógica puede ser vencida por fuerza mayores, el amor, por ejemplo, aunque también el odio o el deseo, y tantas otras incontrolables pasiones propias de la condición humana.

Y aunque estas cuestiones siempre están de fondo y son lo que motivan la construcción de los personajes y sus acciones, también tiene un gran protagonismo la forma en que está presentado el relato. El componente fantástico, por un lado, el de esos seres que manipulan el destino de los humanos, impone un tono de misterio y expectación que hace de éste un relato atractivo e imprevisible. Y el componente de thriller, por su parte, permite que la narración esté construida de forma precisa y acompasada, jugando con el suspenso y los giros inesperados.

De manera que si bien es un filme que propone una reflexión sobre asuntos como el destino y el libre albedrio, con el amor en medio de esa confrontación, está empaquetado como un eficaz producto de Hollywood, entretenido, envolvente, con un par de bellas estrellas como protagonistas y complaciente con el público. En otras palabras, es un cine inteligente y al mismo tiempo muy comercial.

Por su parte, ‘El vuelco del cangrejo’, ópera prima del director colombiano, será proyectado en mayo, en el Museo de Arte Moderno –MoMa- de Nueva York, como parte de una selección de las películas latinoamericanas más exitosas e innovadoras de los últimos años.

En cuanto al Buenos Aires Lab (BAL), ésta es una iniciativa del Bafici y la Fundación TyPA, que tiene por objetivo apoyar y promover el desarrollo y la producción de cine independiente en Latinoamérica con la participación de profesionales de la industria internacional, entre ellos, productores, vendedores internacionales, distribuidores, cadenas de televisión y fondos de cooperación.

El proyecto, ‘Los hongos’ del director, fue el único proyecto colombiano participante en la edición de este año; y el premio que recibirá consiste en servicios de revelado y transfer a una luz de diez (10) latas de 35mm negativo, cuyo material virgen es provisto por Kodak Argentina.

Para más información de este evento consulte la página oficial www.bafici.gov.ar y sobre la exhibición de ‘El vuelco del cangrejo’ en el MoMa en www.moma.org.

La película colombiana ‘Lecciones para un beso’ del cartagenero Juan Pablo Bustamante, narrada de manera clásica como el antiguo Hollywood, desafortunadamente muestra las costuras de su construcción, visibilizando problemas en su dirección y también en su guión. Con respecto a su dirección, la película en su gran mayoría de minutos y en especial en el cierre de su tercer acto, tiene una puesta en escena más cercana al lenguaje de la publicidad que a un lenguaje narrativo para una historia de largometraje.

Por momentos parece más una extensa coreografía que se adecua para la acción de unos modelos entrando a escena, que a personajes de una obra movidos por sus motivaciones para tratar de resolver sus conflictos. O mejor dicho, se notan las marcas que les dieron a los actores, para su desplazamiento dentro del encuadre de la cámara.

Con respecto al guión, tenía una historia que a pesar de lo predecible que se trazaba desde su trailer, podía explorar las relaciones entre los personajes, pero se orientó más por darle prelación a la conclusión de la acciones, descuidando las motivaciones como punto de partida. Aquí otra vez entrometieron el lenguaje publicitario, con acciones mecánicas, carentes del espíritu de las personalidades. Sus diálogos aunque son abundantes son superfluos y en muchas tomas, las acciones de los personajes se adelantan a los diálogos que originan esas acciones.

El papel principal de Alejandro, el adolescente que debería ser el de mayor cuidado en su construcción es el más abandonado. Lo ridiculizan desde el inicio, paseándolo durante varias secuencias con un maletín de viajero con ruedas, que contradice su interés por ser tomado como casi un adulto. Con respecto a la interpretación el joven actor José Julián Gaviria poco podía hacer ante la malograda construcción de un personaje que está la mayor parte del metraje mostrando solo sus molestias y exagerando su emotividad. Un personaje construido como el hombre de hojalata de ‘El Mago de Oz’, que se puede ver, pero que no hay ninguna emoción dentro de él.

El papel de Antonia, la mamá, interpretado por Cristina Umaña, tampoco logra crear el parentesco con Alejandro y más bien sus diálogos parecen los consejos de una tía o una vecina que ha conocido al joven por un buen tiempo. En cambio, el personaje de Guillo, interpretado por el cubano Bárbaro Marín, sí es el más logrado de todos porque transmite el carácter de mujeriego y mentiroso, uno de los tantos estereotipos del hombre de la costa Caribe colombiana. Las situaciones en que se ve envuelto y su interpretación, son lo mejor de la película, junto a la pareja que hace con Catalina Londoño, quien lleva el desafortunado papel de Mónica, la víctima de una de las apuestas.

La dirección de arte es un acierto de la obra, porque recrea el mundo burgués de Cartagena y se complementa con el buen trabajo de selección de locaciones de la ciudad amurallada. ‘Lecciones para un beso’ es una película en la que finalmente primó un interés por agradar a un público con todo su colorido fotográfico pero que en los trazos de su historia y sus personajes, esos colores quedaron nebulosos.

De esta manera, el Pasado 3 de abril en Marsella – Francia, el jurado oficial del XIII Rencontres du cinéma Sud – Américain (XIII Encuentros del cine sudamericano) pronunció su veredicto, siendo el protagonista de ‘Los Colores de la Montaña’, el merecedor de este importante premio por su interpretación de ‘Manuel’.

El menor, nació en Sansón Antioquia el 16 de agosto del 1998, y fue escogido dentro de un casting de más de 3.000 niños para hacer el protagónico del esta cinta del director Carlos César Arbeláez.

En cuanto al evento, cada año la asociación ASPAS “Solidarité Provence-Amérique du Sud” [Solidaridad Provenza-América del Sur] organiza estos encuentros cinematográficos en donde se busca reflejar la sociedad sudamericana y su desarrollo en el cine. Este año México tuvo una retrospectiva bajo la supervisión de la directora de cine mexicana María Novaro.

Además, este festival presenta largometrajes, cortometrajes de ficción, documental y animación. Entre sus objetivos, el certamen busca otorgar al cine latinoamericano una plataforma que permita su difusión, en particular a las películas que aún no cuenten con distribución en Francia, presentando proyectos realizados en los últimos 18 meses y que no hayan sido estrenados comercialmente país galo.