La película se estrenará el próximo 3 de septiembre en las salas de cine venezolana.

¿Crees en el amor a distancia?

Si recibes una libreta sobrenatural con la que puedes eliminar a quienes hacen existente la corrupción y maldad del mundo, ¿te autoproclamarías un gran justiciero aunque te conviertas en un asesino sin escrúpulos?

Llevo alrededor de una semana viendo las mismas dos películas con diversas amistades. Y no, no me canso. Llevan por título Death Note y Death Note II: The Last Name. Son la primera y segunda parte de una historia entretenida y visualmente atractiva que deja a los espectadores pensando y conversando acerca de la psiquis y el comportamiento humanos.

La trama se centra en todo lo que ocurre tras Light Yagami, un estudiante de derecho cansado de las injusticias e imperfecciones de la ley, encontrar una libreta fantástica en la cuál puede escribir los nombres de las personas que desee y éstos morir o de un infarto en 30 segundos o si lo decide, de la forma que sea, el día y la hora que escoja, siempre y cuando sea capaz de visualizar mentalmente el rostro de la víctima.

Bajo el ideal utópico de crear un mundo donde no exista la maldad, en un principio Light decide causarle la muerte a criminales, hasta que el abuso de poder, la falsa realización de convertirse en el “superhombre” de Nietzsche y las acciones frías que comete lo llevan a un punto evolutivo donde termina él siendo herramienta de envilecimiento.

Es así cómo con el tiempo, mientras trata de hacer el bien, el chico, a quien los medios de comunicación apodaron “Kira”, lo cual es un juego fonético japonés que hace alusión a la palabra inglesa “killer”, se convierte en el criminal más buscando por la policía japonesa, el FBI y un ingenioso pero peculiar detective privado, L, quien actúa en el anonimato.

Es quizá este detective quien le otorga la “magia” y lo cómico a las películas, basadas en una serie de manga que lleva el mismo título. L es un chico flaco de apariencia desaliñada y rostro adolescente. Nunca lleva chaqueta, mantiene una dieta basada en dulces exclusivamente y gusta de sentarse de cuclillas sobre objetos precarios con la excusa de que así puede pensar mejor. Lleva delineador en los ojos; entre sus manías más graciosas se encuentran: llevarse el pulgar a la boca cuando piensa y sostener los teléfonos con las puntas de los dedos mientras los deja colgar para hablar.

La segunda entrega, The Last Name

Es una pelea mortal entre Kira y L. Sin embargo, no todo resulta tan fácil como podría parecer. Llegan más personajes que se convierten en aliados y sucesores de Kira, lo que hace la investigación de L mucho más compleja y confusa por demás.

La astuta lucha entre el enigmático L y el universitario Light es cada día más terrible pues Light logra infiltrar al cuerpo de investigadores de L para de tal manera eliminar cualquier sospecha de que él sea Kira. Mientras tanto, una segunda Death Note le llega a la celebridad japonesa Misa Amane, quien bajo el apodo de Kira II se convierte en aliada del asesino en serie original. Tras un movimiento astuto, Light pierde la memoria y es entonces cuando aparece un Kira III.

Las preguntas son: ¿Logrará L resolver todo el acertijo? ¿Podrá Light salirse con la suya? ¿Qué sucederá con Misa y su amor por Kira? ¿Cuál es el rol que juega Kira III? Los dioses de la muerte, ¿cómo llegaron a entrar en todo el rollo? ¿Son realmente capaces de interferir con los humanos, sus tiempos de vida y las decisiones que toman? ¿Cuál es el último nombre que aparecerá en el cuaderno de la muerte, Light Yagami o el verdadero de L?

En fin, ¿hasta dónde está permitido actuar por hacer el bien? ¿Será que en el desenlace la sociedad aclamará a Kira como lo hace la mayoría de las personas en algún momento de la historia o le dará la espalda?

Trailer de Death Note

Justin Bieber, el canadiense de 16 años que ha puesto a chicos y a grandes a cantar su popular tema “Baby” que interpreta junto al rapero Ludacris, no sólo encabeza las listas de popularidad a nivel mundial sino que ahora también tendrá una película.

Al más puro estilo de 8 Mile, la película que mostraba cómo Eminem llegó a la fama, esta cinta permitirá que los no seguidores de Bieber conozcan cómo alcanzó el nivel de estrella del cual ahora goza.

Justin Drew Bieber nació en Ontario, Canadá (aunque muchos piensan que nació en Estados Unidos) y a los 12 años participó en un concurso local en Stratford en donde quedó en segundo lugar.

A partir de ahí, y para que sus familiares y amigos lo pudieran ver en acción, Biebs y su mamá abrieron una cuenta en YouTube para documentar sus actuaciones y progresos musicales.

La página fue un éxito y pronto miles de seguidores ya aclamaban a Bieber, dejando comentarios y esparciendo el rumor del nuevo chico prodigio de Ontario. La noticia llegó hasta a Atlanta a oídos del productor y manager Scooter Braun, quien no tardó en contactar a Bieber.

El resto es historia: Justin Timberlake y Usher se interesaron en él (Usher fue el ganador de la contienda y ahora funge de padrino de Bieber) y en el 2009 salió a la venta su primer álbum titulado My World, el cual debutó en el puesto número 6 de Billboard.

Cuando Bieber lanzó el My World 2.0 el éxito era rotundo y la Bieber Fever se esparció por todo el planeta. El video de “Baby” fue visto más de 107 millones de veces y Bieber se coronaba como el rey de los trending topics en Twitter.

Molesto y ridículo para algunos, alabado e idolatrado por muchos (muchas en su gran mayoría), el gusto se rompe en géneros pero una cosa no se puede negar: Justin Bieber llegó para quedarse y a su edad ya ha vendido más discos que los que alguna vez vendió Britney Spears, Miley Cirus o N Sync.

Ya se ha anunciado que la biopic de este muchachito será, para disfrute de todas sus fans, en 3D y será producida por su manager, Scooter Braun.

Se ha hablado sobre la posibilidad de que el director Davis Guggenheim, director del premiado documental An Inconvenient Truth, sea quien dirija la cinta de Justin, quien por supuesto actuará en ella.

La película contará con escenas de sus conciertos y algunas afortunadas fans de Bieber también harán una aparición.

Así que ve pensando muy bien si tienes una novia, amiga o mamá con Biebermanía porque seguro te llevará el 14 de febrero a las salas de cine, porque predeciblemente esa será la fecha del estreno.

Black Swan, de Darren Aronofsky

Reconozco que lo que me impulsó a ver el trailer fue la presencia de Natalie Portman, una de mis actrices jóvenes favoritas. Pero Black Swan ha generado en mí mucho interés no solo por lo impecable de su aspecto visual, sino por el hecho de que sea el mundo de la  danza el escenario elegido para desarrollar lo que parece será un drama psicológico muy intenso.

Black Swan gira en torno a  Nina (Portman), estrella en ciernes de una compañía de danza que ve amenazada su condición de primera bailarina por la aparición de Lilly (Mila Kunis). Veo en el trailer muchas dualidades, algo de histeria y desasosiego. Todo ello con el trasfondo del a menudo asfixiante mundo del ballet y de una obra, El Lago de los Cisnes, que servirá para conocer mejor las dos caras de Nina.

La película abre el Festival de Venecia, que comienza la próxima semana. En Estados Unidos se espera su estreno para el 1 de diciembre. En España no tenemos fecha confirmada.

The Town, de Ben Affleck

Aquí podréis verlo mejor, pero sin subtítulos:

No voy a decir mucho de la película, porque el trailer cuenta bastante, incluso más de lo que debe. Solo puedo dar varias razones para verla: disfrutar a Jon Hamm en pantalla grande y comprobar si somos capaces de olvidarnos de que es Don Draper; poder afirmar que el interesante debut de Ben Affleck como director con Gone Baby Gone no fue solo un espejismo; y pasar el rato con otros actores como Pete Postlethwaite, Chris Cooper, Jeremy Renner (The Hurt Locker), la televisiva Blake Lively (Gossip Girl), y Rebecca Hall (The Prestige).

En España se estrena muy pronto: el 10 de septiembre. En Estados Unidos la verán una semana después.

The Kids Are All Right, de Lisa Cholodenko

Anette Bening y Julianne Moore son dos de esas intérpretes que uno nunca se cansa de ver. En The Kids Are All Right las vemos a las dos como una pareja feliz con dos hijos que de repente llegan a conocer al hombre (Mark Ruffalo) que donó el esperma para que ambos nacieran. Lo que pasa después, cómo afecta esto al concepto de familia de los dos jóvenes, a las dos madres y al propio Ruffalo es algo de lo que seremos testigos en esta película ya vista y aplaudida en Sundance y Berlín. En este último ganó el premio Teddy (para obras de temas relacionados con la homosexualidad) a Mejor Película.

Para muchos analistas, las actuaciones de Bening y Moore les pueden valer sendas nominaciones a los Oscar, en una dramedy con críticas excelentes que ya se ha estrenado en los cines estadounidenses y que aún no tiene fecha de estreno en España. Sí que lo tiene, por ejemplo, Argentina: el 9 de septiembre.

Postdata: Que la Bening no se llevará el Oscar por su cínico y excelente retrato de Carolyn Burnham en American Beauty de Sam Mendes me pareció una de esas injusticias que nunca podrán ya remediarse, y como no se prodiga demasiado es un gusto disfrutar de ella en cada uno de sus trabajos.

Blue Valentine, de Derek Cianfrance*

*No he encontrado de momento un trailer al uso, pero sí un clip de algo más de un minuto y medio.

He aquí una de esas pequeñas películas que pueden hacerte estremecer, que a partir de las vivencias cotidianas pueden construir momentos inolvidables. Protagonizada por Ryan Gosling (gran actor) y Michelle Williams, la ópera prima de Derek Cianfrance se mostró en Cannes y también en Sundance; y por comentarios, críticas e intérpretes, promete mucho.

Cianfrance habla sobre su obra como una historia sobre “dos personas que se aman” que nos cuenta “cómo se encuentran y cómo se pierden“. A ver si es verdad y nos llevamos una de las más gratas sorpresas del año.

No te pierdas este film y responde a la interrogante ¿Quién es la Agente Salt?

Aunque parezca novela de detectives, este es el escenario de donde nació una de las sagas literarias más celebradas de los últimos días: Millenium.

Stieg Larson nació en Suecia en 1954 y desde joven trabajó para la agencia de noticias Tidningarnas Telegrambyrå (TT), además de estar involucrado en diversas causas sociales como el feminismo, el racismo, la liga comunista de su país y en protestas contra la Guerra de Vietnam, entre muchas otras cosas.

Larson, además de periodista era un escritor nocturno. Al padecer insomnio desde los 12 años, pasaba las noches escribiendo novelas policíacas y cuentos de ciencia ficción que más tarde tendrían frutos al verse materializados e inmortalizados en la trilogía Millenium.

El primer libro titulado Los hombres que no amaban a las mujeres, vio la luz en el 2008 en España y rápidamente se colocó en los más vendidos, razón por la cual se distribuyó a varios países latinoamericanos, incluidos México.

Más de un año después del estreno en Suecia y varios países nórdicos, llega a las salas de Hispanoamérica la versión fílmica de este libro que causó un auténtico revuelo editorial en Europa y que tuvo a los autores más reconocidos del planeta debatiendo sobre él.

Dirigida por el danés Niels Arden Oplev, Hombres que odian a mujeres (como sería el título traducido literalmente) cuenta con reseñas variadas. Algunos la alaban mientras que otros creen que la película se queda corta al tratar de exponer la temática social que Larson con tanto empeño denunciaba en sus libros.

Porque en esencia, los libros de Larson eran mucho más que novelas de buenos y malos; para todo aquel que Suecia le resulte distante (como a la gran mayoría de los hispanoamericanos les sucede) la trilogía Millenium consigue adentrar al lector en un país que desconoce y lo que es aún más significativo, consigue quitar el velo ante ese supuesta sociedad perfecta que Suecia parece ser.

Pero no todas son malas noticias para los fanáticos de la saga. Los críticos y la audiencia en general se han deshecho en cumplidos para Noomi Rapace, la actriz que interpreta a la intrépida hacker Lisbeth Salander.

Quizá no sea lo suficientemente pequeña ni compacta, pero Rapace, quien con anterioridad se había dedicado en su mayoría al teatro, ha cautivado a los espectadores quienes incluso ya la llaman La nueva reina de Suecia.

Por lo pronto habrá que acudir a las salas de cine este fin de semana para comprobar con nuestros propios ojos y formar un juicio sobre este fenómeno antes de que la versión estadounidense nos alcance y entonces sí, haga revolcarse a Larson en su tumba.

Hoy volvemos a hablar de ella por varias razones: porque ya tiene fecha de estreno, porque ya hemos visto el segundo trailer y porque, sí, es cierto, la peli tiene muy buena pinta. Hablemos un poquito de ella y de su historia.

Entre los directores que alguna vez nos han inquietado con sus películas (mención aparte de David Lynch, el maestro de la inquietud por excelencia) se encuentra David Fincher, ese que dirigió en Seven precisamente a un colosal Kevin Spacey.

La trama de The Social Network no es tanto sobre el proceso creativo que llevó al lanzamiento de Facebook sino sobre de cómo a partir de la idea “millonaria” surgen una serie de conflictos personales que llevan a personas aparentemente unidas a enfrentarse. Y es que, para los que no lo sepan aún, el libro plantea la posibilidad de que el creador de la red, Mark Zuckerberg, “robara” la idea original a unos compañeros cuando se propusieron crear una herramienta de comunicación para los estudiantes de la Universidad de Harvard.

El caso es que leyendo en Amazon y en diferentes blogs literarios la opinión que merece la novela de Mezrich (que por cierto se subtitula The Founding of Facebook A Tale of Sex, Money, Genius and Betrayal- algo así como La fundación de Facebook: una historia de sexo, dinero, genio y traición… casi nada!) surgen serias dudas sobre su calidad literaria y la forma de desarrollar la historia, algo que esperemos no se repita en la película. A eso ayudará, crucemos los dedos, el guión de Aaron Sorkin, sobre todo conocido por su trabajo en la serie de televisión The West Wing. Sorkin también firmó el libreto de A Few Good Men (Algunos hombres buenos… todavía recuerdo a Jack Nicholson y a un jovencísimo Tom Cruise en el final de esa peli, curioso) y Charlie Wilson’s war (La guerra de Charlie Wilson).

El segundo trailer parece realmente interesante. La fecha de estreno en USA es el 1 de octubre. En España habrá que esperar hasta el 29 de ese mes para poder verla.

Que el libro es mejor que la película, es una frase repetida y, por cierto en la gran mayoría de los casos, verdadera. Por fortuna para los escritores, son muy pocas las cintas que han superado la obra literaria en la que se basaron.

Pero sin duda, una que se escapa a esta norma es “El Padrino” (1972), de Francis Ford Coppola. Basado en la novela del italiano Mario Puzo, este filme acaba de ser elegido como la mejor cinta de la historia según el diario español El País.

¿Qué tiene esta película que la hace tan espacial, más aún que el propio libro,  y continúa sumando fanáticos a casi 40 años de su estreno?

Múltiples lecturas

Para muchos, la importancia del largometraje radica en la gran cantidad de análisis que permite realizar y cómo todos ellos cobran importancia y veracidad.

Que no existe relato alguno completamente original nadie lo refuta y “El padrino” no fue la excepción. La base en esta película, o por lo menos de la forma en que Coppola la desarrolló, no es otra que la historia de El Rey Lear. En el filme, al igual que en la obra clásica de Shakespeare el menor de los hijos y supuestamente el más débil, debe quedar al cargo de la “familia” por la ineficacia y torpeza de sus hermanos mayores.

De esta forma, pareciera que Puzo y Coppola le dicen al oído “nadie escapa a su destino” a Michael Corleone, el personaje que interpreta Al Pacino, el benjamín quien no logra abstraerse a su oscura carga familiar. A pesar de su sincero intento por desarrollar una carrera apartada del mundo del crimen, su camino termina siendo el mismo que forjó treinta años antes Don Vito, su padre.

Por otro lado, una completa radiografía a la sociedad de la época, la que sin duda se puede extrapolar a nuestra contingencia, es la que realiza el filme bajo el concepto “la familia ante todo”. Para consolidarse como uno de los grupos más poderosos de Nueva York de principios de siglo XX, la familia entendida como fidelidad absoluta a quien te protegió alguna vez, definía el actuar de esta banda.

Además, todo gira en torno a una singular moral muy similar a la que impera en la actualidad. La película comienza cuando Don Vito, El Padrino, se resiste a ingresar al mundo de las drogas duras argumentando que es “negocio sucio”, característica que no le atribuía al alcohol, el juego y la prostitución, las que él mismo sustentaba, pero a las que consideraba meros vicios.

Por último, la sentencia “no es nada personal, son sólo negocios”, una de las frases más célebres en la historia del cine, refleja a cabalidad la filosofía que imperaba y sostenía a esta familia del crimen. Nada ni nadie detenía el actuar implacable de El Padrino.

Sin duda una obra maestra que merece el sitial de “Mejor película de la historia” y que de seguro continuará encantando a las futuras generaciones.

Son muy pocas las películas que dejan a los observadores en estado de inmovilidad, sorprendidos, y con una sensación mixta de agonía y querer ver más. Hace unos años, un gran amigo me había recomendado “The Fountain“, un film dramático de ciencia ficción que narra una historia de amor en tres niveles temporales a la vez: pasado, presente y futuro. No fue sino hasta hace unos días que pude, por fin, disfrutarla.

De primera instancia la película resulta bastante compleja, incomprensible si no se le presta la atención adecuada, y poseedora de algunas de las imágenes más bellas que han sido llevadas a la pantalla. No obstante, “The Fountain” encierra en su trama más que una historia de amor y efectos visuales despampanantes: explora la psiquis de las personas al éstas encontrarse cara a cara con la muerte y ofrece otro testimonio de quienes sufren por culpa del cáncer a la vez que muestra el yin yan de la condición humana.

Tres historias, una trama

Tommy es un científico contemporáneo, investigador médico para especificar, que trabaja intensamente para encontrar el antídoto al tumor cerebral que de forma rápida acaba con la vida de su amada, Izzy. Por otro lado, Tomás es un conquistador español del siglo XVI que ama a su reina y que busca en territorio maya el árbol de la vida. Finalmente está Tom, un astronauta que viaja hacia una nebulosa planetaria en una nave espacial que tiene forma de burbuja, un pequeño jardín y un árbol de la vida moribundo en el interior.

Las tres historias cuentan, de forma distinta, la misma tragedia del par de almas que se aman: no importa el tiempo en que vivan, el destino siempre trazará algún tipo de despedida. El actor que le dio vida a Wolverine (el otro australiano que ha conquistado Hollywood en los últimos tiempos, Hugh Jackman) es quien protagoniza los tres papeles del chico T mientras que Rachel Weisz, actriz mejor conocida por sus papeles en los films “The Mummy“, es quien se convierte en la joven esposa enferma, en la reina del conquistador (Isabel I de Castilla), en esa alma/esa estrella/ese árbol al borde de desaparecer y que hay que salvar.

Otra mirada al cáncer, a la condición humana

¿Qué harías por salvar la unión que tienes con una persona especial? ¿Hasta dónde estarías dispuesto o dispuesta a llegar? ¿Lucharías por toda la eternidad con tal de volver a reunirte con quien amas? ¿Sufrirías cada una de tus vidas? Si el destino resulta siempre, irónicamente, el mismo, ¿te cansarías de la constante batalla? ¿O irías, incluso, en contra de la vida misma?

“The Fountain“, similar a otras películas que tienen como alguna temática el cáncer -como por ejemplo, en la grandiosa adaptación cinematográfica “My Sister’s Keeper“-  presenta la fortaleza y tranquilidad de los pacientes, incluso cuando tales saben que pronto les llegará la hora de morir. No obstante, hay un giro dramático en ella que resulta bastante innovador.

Primero, es un film sci-fi donde la fantasía y las expectativas de lo que podría llegar a ser el futuro se tornan realidad. Segundo, tenemos una mujer fuerte que, a través de la escritura de un manuscrito acerca de las aventuras de un conquistador en busca de la inmortalidad -¡sorpresa, sorpresa!-, aunque en un principio sintió miedo de la muerte y de separarse de su esposo, logra vencer el obstáculo del temor para de tal manera ayudar a su amado a afrontar la soledad que probablemente le espera de la mejor forma posible. Y tercero, tenemos un hombre que no se detiene ante nada con tal de salvar y mantener a su lado a su Otra Parte.

Es en éste último detalle donde reside ese granito que ofrece el toque de diversidad. En todas las películas que tratan el tema del cáncer al final siempre vence la muerte y la resignación. En “The Fountain” eso no sucede. Aquí el enfoque es hacia quien sufre a causa de la enfermedad sin tenerla. Aquí existe el desafío. «La muerte es una enfermedad, y yo buscaré su antídoto», dice en algún momento Tommy; y es allí donde raya la importancia de la perseverancia: hay un ideal de continuar con el ser amado no importa lo que suceda.

Una película que es imprescindible ver

Si alguna vez se tuviera que buscar un sinónimo preciso para eternidad, soledad y amor, este film lo sería. Algunas personas concuerdan en que aunque los visuales son espectaculares, en sí lo que se buscaba transmitir con él carece de enfoque.

Otras, quizá aquellas que han logrado captar el mensaje, lo catalogan -de forma general y en resumen- como impactante y grandioso, una obra maestra, tal vez adelantada al gusto de nuestro tiempo, que fue realizada con mucho sentimentalismo humano y gran esfuerzo, pues tanto el director como los actores estudiaron a profundidad tanto los contextos y personajes históricos como los hechos reales de los pacientes de cáncer y las filosofías presentadas para transmitir la pasión del momento cual si se viviese de verdad.

En fin, no importa de cuál lado vayas, “The Fountain” es una película que, tal y como dicen algunos críticos, «te volará la cabeza mientras te rompe el corazón».

El verano pasado unos 3, 000 niños palestinos salieron a la playa cerca de la Franja de Gaza en un intento de batir el récord mundial de vuelo simultáneo de cometas.

Este año, tras haber conseguido entrar al Record Guiness, más de 7, 000 niños se dieron cita nuevamente para establecer un nuevo record mundial tras elevar en total unas 7, 202 cometas de diferentes colores.

Quienes sean familiares con la obra de Khaled Hosseini o con el trabajo del director Marc Forster probablemente les resulte familiar la historia. En el 2003 Khaled Hosseini publicó su primera novela titulada The Kite Runner, la cual alcanzó tal éxito en Estados Unidos (país donde reside el autor) y en el resto del mundo que 4 años después la novela se transformó, de la mano del autor, en un guión cinematográfico.

The Kite Runner se estrenó en el cine a finales del 2007 con la historia de Amir y Hassan, dos niños que se vuelven amigos pese a sus distintas condiciones sociales en Kabul, la capital de Afganistán.

La película muestra la caída de la monarquía afgana a manos de la invasión soviética, razón por la cual Amir emigra a Estados Unidos, perdiendo el contacto con Hassan.

Pero, pese al tiempo, la distancia y la complicación de la nueva situación en su tierra natal, Amir regresa en busca de Hassan, desafiando la autoridad con el peligro de ser descubierto por el régimen talibán.

Cometas en el cielo, el título en español, utiliza a estos objetos voladores como un apoyo para tratar temas como la amistad, la libertad y la esperanza.

En este mismo sentido y una vez más la vida imitando al arte, los niños de la Franja de Gaza han echado sus cometas al cielo por segunda ocasión. El evento fue organizado por la Agencia de Naciones Unidas para los Refugiados de Palestina (UNRWA por sus siglas en inglés).

Tal como Amir y Hassan lo hicieron en la pantalla grande, miles de niños palestinos volaron sus cometas “por la paz” y porque “volar cometas nos ayuda a olvidar las experiencias difíciles que hemos vivido”, aseguraron.

Ya sea en Kabul, en la Franja de Gaza o en cualquier parte del mundo, los niños serán niños y seguirán volando cometas aunque sea entre guerras, muertes, conflictos y problemas. Una prueba de que el cine y la vida real están más unidos que nunca.