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Conheça Balão Vermelho, de Paul Klee

A 111ª obra homenageada pelo projeto Um Pouco de Arte para sua Vida é do pintor alemão Paul Klee

O projeto Um Pouco de Arte para sua Vida homenageia hoje o pintor alemão Paul Klee, com a obra Balão Vermelho.O balão aparece flutuando alegremente sobre uma paisagem urbana estilizada.

» Confira a lista de todas as obras de arte

» Sobre o projeto "Um pouco de arte para sua vida"

O balão parece um símbolo dos voos de imaginação extravagantes do artista, que possuía uma grande curiosidade intelectual assim como uma mente que se alimentava das mais variadas fontes artísticas, fossem elas antigas ou contemporâneas.

Como muitos dos artistas de vanguarda da época, Klee se interessava por tipos de arte que fossem dotados de sinceridade e vitalidade naturais.

Além disso, o pintor tinha um interesse particular pelas obras das crianças. Ele buscava em suas obras um frescor infantil que era, ao mesmo tempo, muito sofisticada: nenhuma criança seria capaz de alcançar o equilíbrio sutil entre a abstração e a representação de suas pinturas, ou mesmo de rivalizar com suas harmonias requintadas de cor.

As formas retilínias representadas por Klee evocam edifícios, em particular as linhas inclinadas dos telhados. Também há, no canto superior esquerdo, a leve sugestão de uma árvore.

3 detalhes de Balão Vermelho se destacam:

1. Balão:

A forma circular e colorida era muito comum nas obras de Klee. O pintor também era fascinado pelo tema voo, e balões de ar quente também apareceram muitas vezes em suas obras dos anos do pós-guerra. A tinta vermelha do balão foi aplicada em uma camada grossa em comparação à camada do fundo, fina e aguada. Sua forma simples é delineada com o preto.

2. Fundo de gesso:

Quanto à técnica o pintor era pouco convencional e gostava de fazer experimentos. Muitas vezes Klee combinava técnicas que eram usadas separadamente num mesmo quadro. Em Balão Vermelho o pintor utilizou um tecido fino revestido de gesso, que ajudou a criar efeitos sutis de cor e textura.

3. Formas geométricas:

Os blocos apresentados na obra sugerem uma vista sobre os telhados de uma cidade, com um balão flutuando logo acima. No entanto, as cores moduladas e delicadamente variadas são fruto da imaginação do artista, e não de uma realidade observada.

Ficha Técnica - Balão Vermelho:

Autor: Paul Klee
Onde ver: Guggenheim Museum, Nova York, Estados Unidos
Ano: 1922
Técnica: Óleo sobre gaze com base de gesso, montada em madeira
Tamanho: 31,7cm x 31,5cm
Movimento: Expressionismo Alemão

85 livros em português para baixar grátis

Universia reúne 85 livros de autores brasileiros e portugueses para baixar grátis. Grandes nomes como Eça de Queirós podem ser encontrados na lista

A Universia Brasil, maior rede Ibero-Americana de colaboração universitária presente em 23 países, selecionou uma lista com 85 obras clássicas de autores portugueses e brasileiros que estão disponíveis para download grátis. Confira:

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13 Sonetos, de Arnaldo Forte

A Água Profunda, de Paul Bourget

A Alma Nova, de Guilherme Avelino Chave de Azevedo

A Casa do Saltimbanco, de Mme. de Stolz

A Casa dos Fantasmas - Volume I, de Luiz Augusto Rebello da Silva

A Casa dos Fantasmas - Volume II, de Luiz Augusto Rebello da Silva

A Chave do Enigma, de António Feliciano de Castilho

A Cidade e as Serras, de José Maria Eça de Queirós

A Democracia, de Jaime de Magalhães Lima

A Divorciada, de José Augusto Vieira

A Guerra, de Jaime de Magalhães Lima

A Harpa do Crente, de Alexandre Herculano

A India Portugueza, de Hypacio de Brion

A Influencia Europea na Africa perante a Civilisação e as Relações Internacionaes, de Testa

A Lenda da Meia-Noite, de Manuel Joaquim Pinheiro Chagas

A Paranoia, de Júlio de Matos

A Revolução Portugueza - O 5 de Outubro (Lisboa 1910), de Francisco Jorge de Abreu

A Revolução Portugueza - O 31 de Janeiro (Porto 1891), de Francisco Jorge de Abreu

Album Chulo-Gaiato ou Collecção de Receitas para Fazer Rir, de Autor Desconhecido

Algumas lições de Psicologia e Pedologia, de António Aurélio da Costa Ferreira

Astucias de Namorada e Um Melodrama em Santo Thyrso, de Manuel Pinheiro Chagas

Carta da Companhia, de José de Anchieta

Cidades e Paisagens, de Jaime de Magalhães Lima

Como e Porque Sou Romancista, de José Martiniano de Alencar

Contos d'Aldeia, de Alberto Braga

Contos do Norte, de João Marques de Carvalho

Contos e Lendas, de Luiz Augusto Rebello da Silva

Contos para a Infância, de Abílio Manuel Guerra Junqueiro

Contos Paraenses, de João Marques de Carvalho

Da Terra à Lua, de Jules Verne

Diccionario de João Fernandes, de Francisco Gomes de Amorim

Effeitos do Hypnotismo, de A. Armando

Flores do Campo, de João de Deus

Floresta de Vários Romances, de Vários Autores

Folhas Soltas, de Alberto Dias Guimarães

Hamlet - Drama em Cinco Actos, de William Shakespeare

Historia Antiga, de Autor Desconhecido

Historia da Grecia, de José Fernandes Costa

Historia de um Beijo, de Enrique Pérez Escrich

Historias Sem Data, de Machado de Assis

Humus, de Raul Germano Brandão

Improvisos de Bocage, de Manuel Maria Barbosa du Bocage

Isabel d'Aragão a Rainha Santa, de Autor Desconhecido

Judas, de Augusto de Lacerda

Lendas e Narrativas (Tomo I), de Alexandre Herculano

Lendas e Narrativas (Tomo II), de Alexandre Herculano

Livro de Máguas, de Florbela de Alma da Conceição Espanca

Maldita Felicidade, de Alexandre da Costa

Marilia de Dirceo, de Tomás António Gonzaga

Memorias de um Pobre Diabo, de Bruno Henriques de Almeida Seabra

Monólogo do Vaqueiro, de Gil Vicente

Noções Elementares de Archeologia, de Joaquim Possidónio Narciso da Silva

Noites de Insomnia, Offerecidas a Quem não Pode Dormir (Nº 11), de Camilo Castelo Branco

O Amor Offendido e Vingado, de Autor Desconhecido

O Annel Mysterioso, de Alberto Pimentel

O Assassino de Macario, de Camilo Ferreira Botelho Castelo Branco

O Desastre de Lisboa em 1755 - Poesia, de Augusto de Oliveira Cardoso Fonseca

O Descobrimento do Brazil, de Manuel Ferreira Garcia Redondo

O Doido e a Morte, de Teixeira de Pascoais

O Mysterio da Estrada de Cintra, de José Duarte Ramalho Ortigão e José Maria Eça de Queirós

O Oráculo do Passado, do Presente e do Futuro (1 de 7), de Bento Serrano

O que Fazem Mulheres, de Camilo Ferreira Botelho Castelo Branco

Obras Completas de Luis de Camões - Tomo II, de Luís Vaz de Camões

Orpheu Nº1, de Álvaro de Campos

Orpheu Nº2, de Álvaro de Campos

Os Lusíadas, de Luís Vaz de Camões

Os Meus Amores, de José Francisco Trindade Coelho

Os Pobres, de Raul Germano Brandão

Os Sonetos Completos de Anthero de Quental, de Antero Tarquínio de Quental

Othello, de Gustave Dubarry

Paisagens da China e do Japão, de Wenceslau José de Sousa de Morais

Perolas e Diamantes, de Jacob Grimm and Wilhelm Grimm

Poesias, de Alexandre Herculano

Pranto de Maria Parda, de Gil Vicente

Ramo de Flores, de João de Deus

Saudades - História de Menina e Moça, de Bernardim Ribeiro

Sol de Inverno, de António Joaquim de Castro Feijó

Trovas do Bandarra, de Gonçalo Anes Bandarra

Ubirajara, de José Martiniano de Alencar

Um Club da Má-Lingua, de Fyodor Dostoyevsky

Um Novo Mundo, de Guilherme Read Cabral

Uma Família Ingleza, de Júlio Dinis

Vasco da Gama, de Vários Autores

Verdades Amargas, de Cláudio José Nunes

Viagens na Minha Terra, de Almeida Garrett

Visitas ao Santissimo Sacramento e a Maria Santissima para todos os dias do mez, de autor desconhecido

O que é poesia?

Poesia é uma composição escrita em verso que rima e contém uma ou outra figura de linguagem, correto? Não, entenda por que

Os poetas são artistas, portanto, quando pensamos que já sabemos do que arte se trata, eles se esforçam para mostrar-nos que não sabemos nada e nos colocam uma cadeira em uma exibição artística. Quando nós, os leitores, pensamos que os poemas rimam, não rimam. Quando acreditamos que escrevem em verso, nos vêm com caligramas. Quando assumimos que todos os poemas abordam sentimentos, escrevem sobre whisky ou vasos chineses. Apesar de todas essas variantes, há um denominador comum entre todas as poesias. Mas então, o que é poesia?

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Há páginas e mais páginas de livros inteiros só para dar uma definição do que é uma poesia. Aí está a dificuldade de definir o que é esse tipo de arte, ainda mais em poucas linhas. A poesia existe desde muito tempo. O primeiro poema que conhecemos é o Poema de Gilgamesh, escrito em cuneiforme em tábuas de argila datadas do século 13 a. C. Embora seja algo tão antigo, com que já convivemos há tempo, é difícil explicar no que consiste este gênero.

Uma coisa, porém, é certa: a poesia é uma obra de arte da linguagem. Desta definição, no entanto, surge outro problema: do que se trata a arte? Segundo Marcel Duchamp, até um mictório pode ser arte. O significado da poesia, assim como o da arte, também é subjetivo. Além disso, ele é resultado de uma mentalidade que varia com o tempo. Por exemplo, o significado de poesia mudou do século 15 para o 19.

Os vanguardistas estão sempre tentando estender e ultrapassar os limites de uma poesia e, normalmente, conseguem. Por isso, existem o poema-piada, o poema-práxis, entre outros. Um poema pode respeitar leis de métrica e rima, ou pode ser em versos brancos. Pode ser grande ou pequeno, pode contar uma história ou ser completamente ilógico e incompreensível, pode apresentar ritmo musical ou ser totalmente discordante. Pode até conter neologismos (palavras inventadas) ou palavrões.

Com toda essa variedade, é difícil encontrar um denominador comum. Uma característica que todos compartilham é a forma como utilizam a linguagem. Eles se apropriam do código para expressar algo e ele se torna aliado do poeta, nada está no poema por acaso. A presença ou ausência de estruturas e palavras é intencional e cheia de significado. Segundo escritor Stephen Dobyns, em seu livro Next Word, Better Word: The Craft of Writing Poetry: "nos melhores poemas, a forma carrega tanta informação quando o conteúdo. De fato, quando um poeta usa a linguagem somente como meio de expressão a serviço do conteúdo - como um jornalista - as possibilidades do poema diminuem e os recursos principais da poesia são descartados".

Conheça Carlos I a Cavalo, de Anthony Van Dyck

A obra de arte escolhida hoje pelo projeto Um Pouco de Arte para sua Vida homenageia o pintor belga Anthony Van Dyck

O Projeto Um Pouco de Arte para sua Vida homenageia hoje o artista belga Anthony Van Dyck. Sua obra Carlos I a Cavalo é um retrato equestre em tamanho real de Carlos I, rei Stuart da Inglaterra, Escócia e Irlanda.

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A obra é claramente destinada a transmitir poder e magestade. O extravagante Monarca, considerado bastante impopular entre seus súditos, acreditava no direito divido dos reis, bem como na monarquia absoluta.

O quadro é uma peça de propaganda, pensada exclusivamente para sustentar a imagem pública do rei. Nele Carlos aparece elegantemente montado em um cavalo, vestindo uma armadura como se estivesse prestes a entrar em uma batalha, enquanto um criado segura seu capacete. Em uma mão o rei tem o bastão de comandante, enquanto, com a outra, controla seu corcel.

Na direita do quadro é apresentado um carvalho, símbolo de força, com uma placa com a inscrição latina "Carolus Rex Magnae Britaniae", que significa "Carlos, rei da Grã-Bretanha".

Como pintor da corte, Van Dyck deveria retratar o rei de maneira lisongeira, o que conferiu ao quadro esse ar de fantasia. O rei era um homem pequeno, mas ganha estatura ao ser posto em cima de um cavalo. Além disso, Carlos olha com nobreza ao longe, aparentemente indiferente às divergências em seu reino, O rei foi publicamente executado no ano de 1649, após uma guerra civil.

3 detalhes de Carlos I a Cavalo se destacam:

1. Carlos I:

O rosto do rei é retratado como se fosse visto da mesma altura do espectador, ao contrário de todo o resto da paisagem. Carlos usa um medalhão de ouro decorado com a imagem de são Jorge, mártir e sando padroeiro da Inglaterra. Na representação o santo aparece lutando com o dragão, simbolizando o papel de Carlos como defensor do reino.

2. Bota com espora:

O quadro foi, provavelmente, pendurado na mesma altura do chão, ao fim de uma galeria. Devido a altura da obra o espectador teria uma visão perfeita da bota do rei ao se aproximar, de maneira que se sentisse devidamente humilhado.

3. Cavalo:

O rei era um ótimo cavaleiro, embora o domínio do animal destinar-se apenas à mostrar sua força e capacidade como governante. A cabeça do cavalo é pequena em relação ao corpo, provavelmente com o intuito de reduzi-la em comparação com a cabeça de Carlos e, assim, reforçar sua impressão de supremacia e controle.

Ficha Técnica - Carlos I a Cavalo:

Autor: Anthony Van Dyck
Onde ver: National Gallery, Londres, Reino Unido
Ano: 1637
Técnica: Óleo sobre tela
Tamanho: 367cm x 292cm
Movimento: Flamenco

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A Universia acredita no poder de transformação da leitura, do ponto de vista acadêmico e pessoal. A leitura é, sobretudo, uma prática cidadã. Sem ela, não há a possibilidade de desenvolver autonomia crítica. É por isso que a queremos impactar alunos de todo o País facilitando o acesso aos livros grátis.

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Conheça Lago Keitele, de Akseli Gallen-Kallela

O projeto Um Pouco de Arte para sua Vida homenageia hoje a obra de Akseli Gallen-Kallela famoso pintor finlandês do movimento simbolista

O projeto Um Pouco de Arte para sua Vida homenageia hoje a obra Lago Keitele, do famoso pintor finlandês Akseli Gallen-Kallela. A obra tem uma composição ousada e pouco usual e causa um impacto forte nos espectadores.

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Na pintura a linha do horizonte alta permite que o lado predomine. Os reflexos do céu na água são cortados por faixas horizontais decido ao vento. É possível ver ainda, em primeiro plano, uma brisa que encrespa a superfície do lago.

Lago Keitele é considerada uma obra austera, comtemplativa e estimulante que parece quase um equivalente visual da música Sibelius - o maior compositor da Finlândia. O tema é basicamente finlandês, com lagos e florestas típicos do país.

No entanto, a pintura também apresenta aspectos que a colocam em um contexto internacional, o que mostra o envolvimento do pintor com movimentos de vanguarda europeus da época, como as formas planas inspiradas na Art Nuveau e a atmosfera meditativa remetente ao Simbolismo.

Gallen-Kallela teve um importante papel no movimento de orgulho nacionalista e acompanhou a busca da independência da Finlândia com relação à Rússia muito de perto.

2 detalhes de Lago Keitele se destacam:

1. Cores frias:

As cores predominantes no quadro são o azul e o branco - com o céu vividamente refletido na água. Essas cores evocam a beleza fria, calma e intocada da paisagem austera apresentada ao espectador.

2. Simplificação ousada:

Embora as obras do início da carreira de Gallen-Kallela fossem pintadas de maneira naturalista, com o tempo o pintor adotou uma expressão estilizada na qual usava menos profundidade. Os reflexos escuros do bosque aparecem em contraste com a nuvem branca, do outro lado.

Ficha Técnica - Lago Keitele:

Autor: Akseli Gallen-Kallela
Onde ver: National Gallery, Londres, Reino Unido
Ano: 1905
Técnica: Óleo sobre tela
Tamanho: 53cm x 66cm
Movimento: Simbolismo

Conheça A Metamorfose de Narciso, de Salvador Dalí

A obra escolhida hoje pelo projeto Um Pouco de Arte para sua Vida homenageia o aniversário de nascimento de um dos mais famosos artistas do Surrealismo

Em comemoração ao aniversário de nascimento de Salvador Dalí o quadro escolhido hoje pelo projeto Um Pouco de Arte para sua Vida é A Metamorfose de Narciso. A obra, considerada perturbadora, marca as conquistas de Dalí como surrealista.

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O pintor tinha um profundo orgulho da obra, considerando-a como o melhor produto de seu método paranoico-crítico. O tema da obra foi retirado da mitologia clássica. Como narra o poeta romano Ovídio, no livro Metamorfoses, Narciso era um belo jovem que se apaixonou por seu próprio reflexo. Maravilhado, o jovem ficou imóvel como uma estátua e, gradualmente, se consumiu. Ao morrer o jovem transformou-se em uma flor, que leva seu nome.

Além da lenda, Dalí também usou como inspiração uma conversa que ouviu entre dois pescadores locais. Eles falavam de um sujeito estranho, que tinha um "bulbo na cabeça", expressão alemã para doença mental. Isso deu a Dalí a ideia de pintar o bulbo da flor irrompendo através do ovo - o crânio transformado de Narciso.

A Metamorfose de Narciso é uma obra bastante complexa, que se liga intimamente ao interesse do artista pela psicanálise. Grande admirador de Sigmund Freud, Dalí levou consigo essa pintura quando foi conhecer o famoso psicanalista. A pintura pode ser considerada, em partes, uma celebração do efeito benéfico que ela exerceu. Isso porque Dalí tinha sérias preocupações com seu próprio narcisismo até encontrar sua esposa, Gala.

4 detalhes de A Metamorfose de Narciso se destacam:

1. Narciso:

O jovem olha a água obcecado pelo próprio reflexo. Com o rosto baixo, imóvel, já começou a definhar. Uma sombra em seu couro cabeludo se assemelha à rachadura apresentada no ovo ao lado.

2. Mão segurando o ovo:

Essa parte do quadro é uma re-elaboração criativa do final trágico do conto, quando o jovem morre e se transforma em um narciso. Dalí justapõe, nessa situação, dois temas importantes e contraditórios: a criação de uma nova vida, afirmada pela flor, e a rachadura da mão que o segura, ossificada e morta.

3. Ovo e flor:

O olho do espectador recai imediatamente sobre o narciso que rompe a casca do ovo. Essa é considerada a parte mais brilhante da composição e do ponto de vista do próprio pintor, a mais importante. De modo muito diferente em relação à lenda, ele representa a cura simbólica para os mares do narcisismo.

4. Figura no pódio:

A figura apresentada no pódio se relaciona com o tema do ovo. Um belo jovem em isolamento glorioso está postado em pedestal enquanto vira as costas para os principais acontecimentos do quadro. O jovem parece totalmente absorvido contemplado sua própria forma nua.

Ficha Técnica - A Metamorfose de Narciso:

Autor: Salvador Dalí
Onde ver: Tate, Londres, Reino Unido
Ano: 1937
Técnica: Óleo sobre tela
Tamanho: 51,1cm x 78,1cm
Movimento: Surrealismo

Universia Brasil dá curso de espanhol com certificado de Salamanca, na Espanha, para você e 3 amigos

Que tal ganhar um curso de espanhol online com certificação internacional? A Universia Brasil vai presentear você e mais 3 amigos com um curso de espanhol online totalmente gratuito e com certificação de Salamanca, na Espanha. Participe!

A Universia Brasil, a maior rede iberoamericana de colaboração universitária presente em 23 países, quer fazer a diferença na sua preparação para o Enem 2012 e também no seu repertório cultural. Vamos presentear a resposta mais criativa com um curso de espanhol online com duração de 6 meses, tempo suficiente para você estudar para o Exame Nacional do Ensino Médio, que acontece em novembro.

A certificação é fornecida pela España Aquí, centro examinador da Universidade Pontifícia de Salamanca, na Espanha. Desde de 5 de Novembro de 2010 (a partir de janeiro de 2011), España aquí se tornou o Centro Oficial de exame do DIE (Diploma Internacional em espanhol) no Brasil. Este diploma oficial de espanhol como língua estrangeira é desenvolvido pela Universidade Pontifícia de Salamanca, na Espanha, e promovido pelo FIDESCU (Fundação para Pesquisa e Desenvolvimento da Cultura espanhol).

São 10 módulos para iniciantes com 6 horas de duração que fazem parte do Quadro Comum Europeu (nível A1). O curso, de fácil navegação, conta com animações multimídias e áudios de nativos de vários países de língua espanhola, exercícios de compreensão auditiva, leitura e escrita, vocabulários, autoavaliações e tradução automática de comandos. Além disso, contará com um sistema de memória que garantirá que o aluno retome o curso do ponto que parou, jogos, trilhas e efeitos sonoros e feedback em português, entre outras coisas. Ao final do curso, o estudante terá desenvolvido competências léxicas, gramatical, funcional e ortográfica.

Para participar, compartilhe a imagem do concurso que está na página da Universia Brasil no Facebook (link aqui), curta a nossa página e complete a frase “aprender Espanhol com meus amigos é...” no campo comentários que fica abaixo da foto. Você também precisará marcar os nomes dos amigos escolhidos ao final da sua resposta (com o @). Eles também precisam estar no Facebook e curtir a página do Universia Brasil.

Os interessados podem postar quantas frases quiserem e melhor: com vários amigos diferentes. A seleção será feita por uma comissão julgadora formada pela equipe de conteúdo da Universia Brasil, que irá eleger a resposta mais criativa enviada pelos participantes. O resultado será divulgado no dia 1º de junho. Serão 10 vencedores, cada um com 3 amigos. Confira o regulamento aqui.

MIT e Khan Academy fazem parceria para desenvolver video aulas

Instituto de Tecnologia de Massachusetts e Khan Academy se unem para fazer videoaulas com o intuito de ensinar conceitos básicos de ciências e engenharia a estudantes da educação infantil ao ensino médio

O MIT (Instituto de Tecnologia de Massachusetts) resolveu unir esforços a Khan Academy e está revolucionando a aprendizagem online. O instituto está incentivando seus alunos a produzirem vídeos curtos, de 5 a 10 minutos, para ensinar conceitos básicos de ciências e engenharia a estudantes da educação infantil ao ensino médio.

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O projeto MIT+K12, vai disponibilizar essas miniaulas em seu site e em um canal específico do YouTube. Algumas vão fazer parte da Khan Academy, projeto lançado por um ex-aluno do MIT que começou dando aulas para os sobrinhos pelo YouTube e se tornou um sucesso mundial.

A ideia estava em teste desde o segundo semestre do ano passado e, no fim de abril, o site da iniciativa foi lançado já com dezenas de vídeos disponíveis sobre assuntos que incluem astronomia, biologia, química, engenharia e física.

Em um deles, um aluno de química ensina o conceito de ácido e base para alunos de seis anos. Para atrair a atênçao dos pequenos, a explicação começa com uma espécie de mágica: o jovem enche copos aparentemente vazios e o líquido que cai nos copos toma a cor que ele ordena. Em seguida, o estudante do MIT vai ao laboratório e explica o que fez o líquido mudar de cor.

Além desse vídeo, pela plataforma é possível também aprender como ocorre a transferência de calor entre os corpos, como os aviões voam, assistir a uma representação de guerra entre fungos e bactérias e uma série de outros temas, sempre apresentados de forma lúdica. Para assistir às aulas pelo site, basta clicar no assunto ou na série desejada.

Para participar, os alunos do MIT tanto podem escolher o assunto que gostariam de explicar, quanto tratar de temas sugeridos pelos professores. Uma vez que sua proposta tenha sido aceita, os universitários se tornam roteiristas, atores, produtores e diretores. Eles terão uma aula sobre como fazer e editar vídeos, receberão ajuda de custo para desenvolvê-lo, orientação dos professores e terão à disposição todo o aparato do MIT para transformar a ideia em uma aula interessante.

Conheça Primavera, de Giuseppe Arcimboldo

A obra maneirista Primavera é foi escolhida como 107º quado homenageado pelo projeto Um Pouco de Arte para sua Vida

A obra de hoje no projeto Um Pouco de Arte para sua Vida é Primavera, do artista italiano Giuseppe Arcimboldo. A pintura, uma cabeça de mulher criada com flores, é prova da imaginação do pintor.

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A ideia do quadro é considerada de grande engenhosidade e deixa clara ainda a habilidade do artista ao realizá-la. Os contemporâneos de Arcimboldo adimiravam essas qualidades, no entanto, enxergavam alguns significados profundos - e muito mais sérios - em sua produção artística, já que na época era muito comum tratar assuntos sérios de maneira fantasiosa.

Esse hábito era muito recorrente nas cortes sofisticadas em que o pintor trabalhou. Os imperadores Habsburgos, aos quais Arcimboldo serviu, dominavam vastas áreas da Europa e a arte criada eles rendia tributo ao seu poder, fosse de forma direta ou indireta.

As obras do artista são, de certa forma, alegorias sutis da autoridade e influência desses imperadores. Primavera, por exemplo, é uma das quatro pinturas que representam as estações, encomendadas por Maximilliano II como um presente para Augusto I, eleitor da Saxônia.

Individualmente as pinturas transmitem a ideia de liberalidade dos Habsburgos, enquanto coletivamente elas sugerem que a dinastia vai durar, da mesma maneira que as estações se sucedem em um ciclo interminável.

4 detalhes de Primavera se destacam:

1. Flores em botão:

O rosto de primavera é feito, basicamente, de rosas, o que sugere a beleza e o perfume da juventude. É muito comum representar as quatro estações do ano com idades diferentes, sendo o inverno a mais velha. As flores também são muito utilizadas para simbolizar a passagem do tempo e a incerteza da realização terrena.

2. Cabelo floral:

As flores do cabelo (ou chapéu) de Primavera criam um efeito de tapeçaria. Essa parte do quadro foi pintada de maneira mais delicada do que as flores e folhas da cercadura, que acredita-se terem sido incluídas no século XVII.

3. Íris:

No quadro, Primavera segura um íris. Seu simbolismo, assim como o de outras flores, varia com o contexto e com a "linguagem das flores". Nesse caso existe a possibilidade de o íris aludir à renovação da terra após a fria monotonia do inverno.

4. Verduras:

O ombro e o torso da mulher são feitos de diversas hortaliças. Na arte as verduras têm menos apelo que as flores, e tendem a representar a abundância geral da natureza no lugar de qualidades específicas.

Ficha Técnica - Primavera:

Autor: Giuseppe Arcimboldo
Onde ver: Louvre, Paris, França
Ano: 1573
Técnica: Óleo sobre tela
Tamanho: 76cm x 63,5cm
Movimento: Maneirismo

Conheça Sem Esperança, de Frida Kahlo

A obra apresentada hoje no projeto Um Pouco de Arte para sua Vida é da pintora mexicana Frida Kahlo, conhecida por seus famosos autorretratos

Sem Esperança, da pintora mexicana Frida Kahlo, é a 106ª obra homenageada no projeto Um Pouco de Arte para sua Vida. A artista é conhecida pela intensa produção de autorretratos que, muitas vezes, tinham significados profundos e pessoais sobre seus sofrimentos fisícos e emocionais.

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A obra Sem Esperança mostra Frida presa à uma cama, em uma paisagem absolutamente rude e estéril, com uma terrível cornucópia de carne e peixes variados em um cone carnoso suspenso acima da boca da artista representada no quadro. Embora seja pequena, a pintura é considerada uma das mais perturbadoras e poderosas pinturas de Frida.

Na época em que pintou o quadro, a falta de apetite da pintora a levou a tamanha perda de peso que ela precisava ser alimentada através de um funil. Na pintura o funil ganhou novas dimensões - tão grande que precisa ser apoiado em uma estrutura de madeira - e não está cheio de comida triturada, mas sim de pilhas de carne crua.

No verso do quadro Frida colocou uma inscrição que dá nome ao quadro: "Não resta nem a menor esperança em mim... Tudo se move em sintonia com o que o estômago contém".

5 detalhes de Sem Esperança se destacam:

1. Expressão de dor:

Frida lança ao espectador um olhar suplicante, ao mesmo tempo em que lágrimas escorrem de seu rosto. Apenas a cabeça e os ombros estão para fora dos lençóis, o que ajuda a passar a sensação de constrição. Nessa época Frida era, realmente, forçada a passar grande parte de seu tempo na cama, com um colete ortopédico. A artista sofreu mais de 30 operações ao longo da vida.

2. Festa dos mortos:

O enorme funil usado para alimentar a pintora transborda com uma mistura nauseante de carne, peixes e aves. A ideia do funil como um instrumento de tortura (como ele aparece representado na pintura) provavelmente foi tirada de um livro sobre a Inquisição Espanhola. No topo do monte de comida crua encontra-se uma caveira mexicana de açúcar com o nome da artista. Essas caveiras eram comuns no dia dos mortos e seu papel na pintura é fazer uma alusão à morte, enquanto o açúcar com que ela é feita representa a doçura da vida.

3. Fundo estéril:

O cenário da paisagem representada no quadro é um deserto ressequido e tem sido interpretado como uma referência à esterilidade da artista. Os ferimentos que teve aos 18 anos a impossibilitaram de ter filhos.

4. Lua:

Nas laterais do quadro encontram-se imagens da lua e do sol. Uma das interpretações para a presença desses símbolos é a dor implacável da pintora, que persistia dia e noite. Em outra vião, a lua simboliza a própria Frida.

5. Sol:

Nessa obra o sol pode ser uma alusão específica a seu marido, Diego Rivera. Outras interpretações dão conta de que o sol trata-se de uma referência aos cravos-de-defunto laranja, comuns nas festas mexicanas do Dia dos Mortos.

Ficha Técnica - Sem Esperança:

Autor: Frida Kahlo
Onde ver: Museu Dolores Olmedo Patiño, Cidade do México, México
Ano: 1945
Técnica: Óleo sobre tela montada sobre HDF
Tamanho: 28cm x 36cm
Movimento: Simbolismo

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Confira as principais obras da DC Comics que estão disponíveis para leitura online grátis:

1- Mulher-Maravilha #600

A Mulher-Maravilha é a princesa de Themyscira, filha da rainha das amazonas, Hipólita. Sua mãe a criou a partir de uma imagem de barro, à qual cinco deusas do Olimpo deram vida e a presentearam com superpoderes. Já adulta, foi enviada para o "mundo dos homens" para espalhar uma missão de paz, bem como lutar contra o deus da guerra, Ares. Tornou-se integrante da Liga da Justiça, assim como Superman e Batman. Foi a primeira heroína a ser criada, em 1941, pela DC Comics.

2- A origem do Laterna Verde

Lanterna Verde é um nome compartilhado por diversos super-heróis da DC Comics. Criado por Martin Nodell e Bill Finger, o Lanterna Verde original estreou em All-American Comics nº16 (1940). Reformulado como um novo super-herói com o mesmo nome nos anos 60, o personagem original ficou conhecido por Lanterna Verde Alan Scott e por um tempo adotou a identidade de Sentinela no Brasil.

3- A origem do Superman

O personagem nasceu no fictício planeta Krypton e foi chamado pelos seus pais de Kal-El. Ele foi mandado à Terra por seu pai, Jor-El, um cientista, momentos antes do planeta explodir. O foguete aterrissou na Terra na cidade de Smallville, onde o jovem Kal-El foi descoberto pelo casal de fazendeiros Jonathan e Martha Kent. Quando não está atuando com o tradicional uniforme azul e vemelho, ele vive como Clark Kent, repórter do Planeta Diário.

4- Batman

Batman tem como sua identidade secreta seu alter ego Bruce Wayne, empresário, playboy e filantropo bilionário. Segundo os quadrinhos, o fato de testemunhar o assassinato de seus pais quando criança teria levado um jovem Bruce Wayne a viajar pelo mundo, tentando compreender a mente criminosa. Batman não tem nenhum poder sobre-humano, usando apenas o intelecto, habilidades investigatórias, tecnologia, dinheiro e um físico bem-preparado em sua guerra contra o crime.

5- Liga da justiça

A Liga da Justiça da América é uma equipe de super-heróis criada pela editora americana DC Comics, inspirada na Sociedade da Justiça, outra equipe de super-heróis, mas essa criada nos anos 1940. Entre seus membros, destacam-se: Superman, Batman, Aquaman, Mulher Maravilha, Lanterna Verde, Flash e Caçador de Marte, também conhecidos como os "Sete Magníficos".

6- Aquaman

Aquaman podia respirar debaixo d'água com brânquias, tinha força sobre-humana que lhe permitia nadar em altas velocidades e podia se comunicar com vida do mar e mandá-los fazer o que quisesse. Na década de 1990, o personagem Aquaman tornou-se mais sério com histórias que descrevem o peso de seu papel como o rei de Atlantis.

Conheça O Nascimento de Vênus, de Sandro Botticelli

O projeto Um Pouco de Arte para sua Vida homenageia hoje a obra O Nascimento de Vênus, do pintor italiano Sandro Boticelli

A 105º obra homenageada pelo projeto Um Pouco de Arte para sua Vida é do pintor italiano Sandro Botticelli. O Nascimento de Vênus é uma pintura com movimentos suaves e harmonia e mostra a chegada de Vênus, deusa romana do amor, da beleza e da fertilidade à ilha de Chipre.

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» Sobre o projeto "Um pouco de arte para sua vida"

A deusa de Botticelli incorpora o ideal de beleza do Renascimento: seus membros claros são longos e elegantes, os ombros se inclinam, a barriga é sensualmente arredondada e sua expressão de rosto refinado apresenta algo de etéreo. A pintura pode ser vista como a manifestação física de uma beleza considerada divina e perfeita.

Tudo ao redor da deusa são simbolos da primavera, época de novos começos e renovação. A figura icônica de Vênus encontra-se no centro da composição, perfeitamente equilibrada.

O quadro provavelmente foi encomendado por um rico membro da família Medici, Lorenzo di Pierfrancesco de' Medici, para ser colocado em sua vila em Castello, próximo a Florença. Na itália renascentista era comum que obras com cenas mitológicas fossem encomendadas para decorar móveis de madeira.

Botticelli rompeu com essa tradição ao pintar O Nascimento de Vênus, pois produziu a primeira obra em tela para mostrar uma imagem mitológica em grande escala - tamanho que só era usado para pinturas religiosas.

4 detalhes de O Nascimento de Vênus se destacam:

1. Vênus:

A deusa surge como uma mulher feita. Sua mão direita cobre um dos seios, enquanto a esqueda segura os longos cabelos dourados sobre a região púbica. Sua pose clássica, conhecida como Vênus pudica, vai contra representações de outros artistas sobre a deusa, que aparecia de forma mais erótica. A vênus de Botticelli representa o ideal de beleza italiano do século XV.

2. Concha:

A deusa está prestes a deixar seu barco, uma concha ancorada no centro da composição. Embora o nome do quadro se refira ao nascimento de Vênus, este fato se deu em circunstâncias menos poéticas. De acordo com a mitologia grega, a deusa teria surgido da espuma fértil criada quando os órgãos genitais de seu pai, Urano, foram jogados no mar.

3. Zéfiro e Clóris:

O deus alado Zéfiro, personificação do vento oeste, traz movimento à cena. Suas bochechas são representadas de modo que o espectador acredite que ele está soprando para que as ondas empurrem Vênus em direção à praia. O deus aparece com uma mulher, provavelmente Clóris, uma ninfa moral roubada pelo deus para ser sua noiva.

4. Flora:

A figura feminina à direita é identificada como Flora, a deusa das flores. Uma figura alegórica, a deusa representa a primavera, tempo de renovação. Ao redor de seu pescoço aparecem folhas de murta, a árvore sagrada de Vênus.

Ficha Técnica - O Nascimento de Vênus:

Autor: Sandro Botticelli
Onde ver: Uffizi, Florença, Itália
Ano: 1485
Técnica: Têmpera sobre tela
Tamanho: 172,5cm x 278,5cm
Movimento: Renascimento

Conheça O Experimento com uma Bomba de Ar, de Joseph Wright of Derby

A obra escolhida hoje para o projeto Um Pouco de Arte para sua Vida é do pintor inglês Joseph Wright of Derby

O projeto Um Pouco de Arte para sua Vida homenageia hoje o pintor inglês Joseph Wright of Derby. A obra escolhida é O Experimento com uma Bomba de Ar, que representa uma cena familiar pouco comum, em que um grupo observa o desenrolar de um experimento científico.

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» Sobre o projeto "Um pouco de arte para sua vida"

A pintura trabalha com um impressionante jogo de sombras, proporcionado por uma única fonte de luz brilhante. As reações das pessoas é habilmente captada e suas faces são representadas com um misto bastante realista de emoções humanas.

A obra, uma das mais famosas cenas "à luz de velas" de Joseph Wright of Derby, foi criada durante um período de intensa atividade científica na Europa do século XVIII. Nessa época era comum cientistas viajarem com seu equipamento e realizar demonstrações em casas no campo.

No experimento representado na pintura uma ave viva foi fechada em um grande frasco de vidro e o ar extraído, para criar vácuo. O experimento tinha como objetivo demonstrar o efeito da privação do ar sobre criaturas vivas. O momento representado é a decisão do cientista entre reintroduzir o ar no frasco ou deixar a ave, já agonizante, morrer. O desfecho é desconhecido e o pintor deixa poucas pistas sobre o que pode ter acontecido. Essa dúvida aumenta a dramaticidade da cena.

O artista consegue a atenção do espectador por meio da técnica conhecida como "claro-escuro". O foco é dirigido para as figuras dramaticamente iluminadas, delineadas com clareza contra a escuridão do fundo. O cientista de cabelos brancos, que se assemelha a um mágico, olha diretamente para o observador.

4 detalhes de O Experimento com uma Bomba de Ar se destacam:

1. Meninas:

A criança mais nova observa a ave agonizante com horror. O choque em seu semblante é representado com grande sensibilidade. Outro indício da agonia são os gestos eloquentes, como o fato de a garota agarrar o vestido da menina mais velha, que cobriu os olhos e está sendo confortada.

2. Cientista:

O cientista olha diretamente para o espectador. Ele parece empolgado no auge da sua apresentação e isso fica evidente por seus lábios entreabertos e seu rosto corado. O pintor pretende enfatizar a onipotência do cientista. A decisão de devolver ou não a vida à ave pertence a ele, o que fortalece seu caráter de poder sobre a natureza.

3. A ave:

Uma cacatua branca está sufocando lentamente no fundo do frasco de vidro sem ar. A demonstração seria mais usual se fosse feita com outros pássaros, mas a ave pode ter sido escolhida pelo pintor para destacar a ação no fundo escuro. Outro motivo para a escolha da cacatua pode ser sua semelhança com um pombo, símbolo do Espírito Santo.

4. Contemplação:

O homem à direita do quadro, de perfil, está sutilmente iluminado, absorto em pensamentos. A maior parte de seu corpo está na escuridão e ele aparece alheio ao que acontece no centro da cena. Seu olhar se dirige a outro ponto - uma caveira dentro do jarro -, que funciona com um lembrete para a morte.

Ficha Técnica - O Experimento com uma Bomba de Ar:

Autor: Joseph Wright of Derby
Onde ver: National Gallery, Londres, Reino Unido
Ano: 1768
Técnica: Óleo sobre tela
Tamanho: 183cm x 244cm
Movimento: Iluminismo Europeu

Conheça Viajante Sobre o Mar de Névoa, de Caspar David Friedrich

A 103ª obra homenageada pelo projeto Um Pouco de Arte para sua Vida é do artista alemão Caspar David Friedrich

O projeto Um Pouco de Arte para sua Vida escolheu como 103ª obra homenageada Viajante Sobre o Mar de Névoa, do artista alemão Caspar David Friedrich. A cena se baseia em esboços de montanhas que Friedrich viu quando esteve na Suíça.

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» Sobre o projeto "Um pouco de arte para sua vida"

Na pintura uma figura solitária contempla uma imponente paisagem alpina de cima de um pico rochoso. Nos arredores da paisagem os cumes próximos assomam no mar de névoa que se dissolve, além de uma montanha distante que se eleva sobre a cena, contra um céu luminoso. O autor usa um nevoeiro denso para obscurecer o que está entre as montanhas e, dessa maneira, criar um ar de mistério.

Tratando-se da composição, o homem retratado está bem no meio da pintura e as linhas na horizontal, tanto de rochedos quanto de escostas e montanhas distantes, todas convergem para ele. O forte contraste de tom entre a silhueta escura do homem no rochedo e a claridade da neblina e do céu aumentam ainda mais o impacto da imagem.

Teorias afirmam que o quadro talvez seja uma homenagem póstuma a um coronel da infantaria saxônica, devido ao posicionamento da figura central, que se destaca, ereta e heróica, contemplando a cena à sua frente. No entanto, a figura pode ser interpretada de diversas outras formas, como um simbolo do anseio do homem pelo inatingível ou ainda a alegoria da jornada da vida.

Viajante Sobre o Mar de Névoa sintetiza as ideias românticas sobre o lugar que o homem ocupa no mundo, como o isolamento do homem diante das forças da natureza. A imagem tornou-se um ícone do indivíduo romântico.

3 detalhes de Viajante Sobre o Mar de Névoa se destacam:

1. O viajante:

A figura solitária do viajante é representada de costas para o espectador, o que lhe dá total anonimato. Por sua postura o homem parece calmo e controlado, mas cabe ao observador da obra imaginar a sua expressão ou atitude diante da paisagem à sua frente.

2. Mar de névoa:

A bruma esconde grande parte da paisagem observada pelo viajante, estimulando assim a imaginação do espectador sobre o que se vê embaixo do pico onde o homem se encontra. Além disso, a névoa desfoca as montanhas distantes, criando uma sensação de infinito. A névoa tem ainda a função de refletir a luz perolada do céu, dando ao quadro uma impressão etérea, sobrenatural.

3. Picos rochosos:

Alguns cumes de montanhas próximas rompem o véu de névoa como rochas recortadas emergindo do mar. Como a bruma obscurece os limites entre esses picos não é possível saber qual a real distância deles. Uma noção de escala pode ser obtida ao observar as árvores minúsculas localizadas próximas a alguns desses cumes.

Ficha Técnica - Viajante Sobre o Mar de Névoa:

Autor: Caspar David Friedrich
Onde ver: Kunsthalle, Hamburgo, Alemanha
Ano: 1818
Técnica: Óleo sobre tela
Tamanho: 98cm x 75cm
Movimento: Romantismo